¿De qué está hecho el límite entre la vida y la muerte? ¿Es una ruptura abrupta o una frontera tajante o, más bien, una membrana sutil, una superficie vibrátil que se corre apenas y deja entrever lo que no podemos nombrar? ¿Cuánto pesa la ausencia y cuánto, en cambio, el recuerdo? Sobre ese territorio —más filosófico que teatral— se construye “Leve, una mirada posible”, la obra que llega al Teatro Comedia bajo la dirección escénica de Cristina Gómez Comini y la dirección musical de Camilo Santostefano.
En diálogo con Hoy Día Córdoba, ambos hablaron de “superproducción cordobesa independiente”. La etiqueta no es exagerada: 19 artistas en escena, una estructura coral de alta complejidad, un dispositivo escenográfico conceptual y un trabajo interdisciplinario que desarma las fronteras entre concierto y teatro. La historia en la que se basa la obra parte de un acontecimiento real: el poeta Anthony Silvestri escribió los textos tras la enfermedad y muerte de su esposa, Julie, a causa de un cáncer de ovario, dejando dos hijos pequeños. Esa vivencia íntima fue musicalizada por Eric Whitacre en The Sacred Veil, dando forma a un recorrido que transita el noviazgo, la construcción de una familia, la irrupción de la enfermedad y el momento del adiós. Sin embargo, la obra no se detiene en la tragedia como punto final, sino que explora cómo el amor persiste, cómo el vínculo se transforma y cómo el recuerdo puede convertirse en una forma de presencia. Allí radica su profundidad: no se trata de narrar una pérdida, sino de interrogar qué queda después.
La partitura pedía escena
La génesis de la obra se remonta a la pericia de Camilo Santostefano, quien descubrió la partitura de The Sacred Veil (El Velo Sagrado) del compositor Eric Whitacre mientras residía en Europa. Para Santostefano, el impacto del material fue inmediato y visual. “Ni bien se editó, compré los materiales. Yo estaba viviendo en Austria en ese momento y lo compré pensando en estrenarlo allá, en principio”, recuerda el maestro. Lo que no imaginaba es que la música contenía una fuerza y una belleza que exigía una dimensión extra: “Lo que sí es interesante es señalar que desde que conocí el material, la historia, la visualicé escenificada. Hay veces que te llegan materiales musicales que no podés dejar de verlos en otra dimensión, si vale esa analogía, que la musical. Se te hace presente”.
Esa necesidad de darle cuerpo a la partitura lo llevó a convocar a Gómez Comini. “Habiendo compartido una experiencia hermosa de trabajo con Cristina en el teatro del Libertador, me pareció que era la persona indicada para invitar con la pericia y la sensibilidad necesaria para tratar un tema como este”, explica Camilo. Al presentarle el material a Cristina, la conexión fue total: “Cuando Camilo me presentó el material, yo me enamoré de la obra. Sinceramente desde el arte, desde lo que suena y desde lo que los cuerpos transmiten para mí la obra se completa. Si bien fue pensada como un concierto coral, creo que en el fondo es una obra para una puesta. Siento que cierra completamente con la puesta en escena”.
A partir de ese encuentro creativo comenzó un proceso de traducción escénica que no buscó ilustrar la música, sino expandir su dimensión simbólica. Gómez Comini trabajó sobre la idea de que el cuerpo no debía “explicar” el sonido, sino dialogar con él desde un plano poético, casi abstracto. La danza contemporánea aparece así como una extensión orgánica de la respiración coral: no acompaña, sino que encarna los climas, las tensiones y los silencios que la partitura propone. En esa decisión radica uno de los rasgos más singulares del proyecto: la construcción de un lenguaje común donde música y cuerpo no compiten por protagonismo, sino que se sostienen mutuamente en un mismo flujo emocional.
The Sacred Veil: Una historia de amor contada en primera persona
La obra se basa en la historia real de amor y pérdida del poeta Anthony Silvestri y su esposa Julie Lawrence. El compositor, Eric Whitacre, era amigo íntimo de la pareja y padrino de sus hijos. Según Santostefano, esta cercanía le otorga a la pieza un tinte único: “La protagonista de la obra es la esposa del libretista, del poeta. El coprotagonista es el poeta mismo y el observador directo es el compositor. Es decir, es casi un familiar por elección de la vida. Entonces, por empezar, es destacable que hay una conexión directa y una sensibilidad particular. No es lo mismo tercerizar que hablar de uno”.
La narrativa atraviesa el ciclo del amor y de la vida. “Desde que se conocen, se enamoran, planean tener un hijo, luego ese hijo nace, ¿Cómo ellos desde ese amor que tienen y desde el amor familiar afrontan esa situación? ¿cómo ese amor trasciende la corporalidad de la vida para estar en otro plano de la conexión?”, detalla Camilo. Para el autor de los textos, el proceso fue una catarsis lenta: “Tuvieron que pasar 10 años entre lo que le sucede y cuando él lo puede realmente sacar y materializar en una obra de arte, en un texto particularmente Anthony”.
El resultado es una obra que no dramatiza el dolor desde el golpe, sino desde la intimidad. Hay en la escritura musical una tensión contenida, una economía expresiva que evita la grandilocuencia. La tragedia no se subraya: se respira. En ese equilibrio entre arquitectura sonora rigurosa y fragilidad emocional radica buena parte de la complejidad —y la potencia— de la obra.
Para dimensionar la magnitud del desafío que implica esta elección, es necesario comprender la naturaleza de la partitura. The Sacred Veil es una obra coral en doce movimientos para coro mixto SATB y violonchelo solista. Lejos de tratarse de un repertorio convencional, la pieza exige un altísimo nivel de precisión técnica, control dinámico y homogeneidad tímbrica. La escritura de Whitacre, caracterizada por armonías extendidas, tensiones suspendidas y largos arcos expresivos, demanda del conjunto una respiración colectiva minuciosa y una afinación extremadamente refinada, especialmente en los pasajes de pianissimo y en las superposiciones armónicas de gran densidad.
La levedad como postura
El título elegido no es un gesto menor. Es, de hecho, una declaración estética.
“Buscamos mucho algo que definiera, que resumiera en una palabra el espíritu de la obra y nos pareció que Leve era un título simbólico y al mismo tiempo poético”, explicó Comini al referirse al proceso creativo. La palabra no aparece en el original, pero condensa una lectura, la convicción de que incluso en el tránsito más doloroso puede haber una forma de suavidad.
En un contexto cultural que suele asociar la muerte con lo oscuro, lo pesado y lo definitivo, la levedad introduce un matiz distinto. No se trata de negar el sufrimiento ni de estetizar la pérdida, sino de proponer otra perspectiva. El agregado de «una mirada posible» responde a que “es nuestra mirada o la mirada de la pieza de Whitacre sobre la trascendencia del amor, la trascendencia de los seres humanos”.
Desde allí, la obra se posiciona como un gesto artístico que busca abrir preguntas más que cerrarlas. ¿Puede el arte hacer soportable lo insoportable? ¿Puede el canto colectivo transformar la experiencia individual del duelo en algo compartido?
Trascendencia sin dogma
Aunque el título original habla de lo “sagrado”, la versión local evita cualquier lectura religiosa explícita. La trascendencia que propone no está asociada a un credo particular, sino a la capacidad humana de encontrar sentido en medio de la fragilidad.
La levedad, en este contexto, no es superficialidad. Es una ética. Es la decisión de no hundirse en la gravedad del dolor, sino de mirarlo con delicadeza. La obra sugiere que el amor no desaparece con el cuerpo; se transforma en memoria, en huella, en resonancia.
Desde esa perspectiva, el velo deja de ser un obstáculo para convertirse en puente. No separa mundos incomunicados, sino que habilita el tránsito entre ellos. La puesta insiste en esa idea con sutileza, evitando subrayados dramáticos y apostando por una construcción atmosférica que invita a la contemplación.
Una espectáculo único en el mundo
Cristina destaca que se trata de una propuesta vanguardista a nivel internacional: “Hasta ahora no tenemos conocimiento de que se haya hecho una puesta en escena sobre esta obra. Creemos que somos los primeros y los únicos. Entonces ameritaba también un título que abarcara todo lo que significa en sí la puesta”. La obra se cuenta a través de los 12 cantantes, el piano de Andrea Mellia, el violoncello de Pedro Catriel Luna y los movimientos de cuatro bailarines de Danza Viva que protagonizan Anthony, Jullie y sus dos hijos. “Estamos todos en una escena… son 19 personas más todos los que estamos detrás de escena. Somos muchos. Y en este sentido es una superproducción cordobesa independiente porque se han involucrado muchísimos artistas”.
El velo como cuerpo y frontera
Uno de los elementos más disruptivos de la propuesta es su ambición estética, apoyada en un dispositivo escénico minimalista pero de gran impacto simbólico: una escultura de tela que representa el velo. Según relata Gómez Comini, este elemento diseñado por Augusto Bernhardt junto a Mauricio Rondot funciona como un personaje más. “La idea de un velo que separa a los que aún vivimos en este mundo de aquellos seres que ya no podemos ver ni sentir, salvo con la fuerza del amor, está expresado en la obra, a través de un elemento escultórico y rico visualmente”.
Este velo, potenciado por el diseño lumínico de Rafael Rodríguez, cobra una dimensión mística en escena: “Hay una suerte de escultura en tela, en escena, que es un personaje más, que está visible todo el tiempo y te diría que está vivo. Parece que tuviera vida realmente”. Podría entenderse que el “velo sagrado” al que alude el título original no es un objeto físico, sino una metáfora. Es la delgada membrana que separa lo visible de lo invisible, el aquí del más allá, lo humano de lo trascendente. En la tradición simbólica occidental, el velo ha representado siempre un límite: lo que oculta y a la vez promete revelación. En la puesta cordobesa, esa metáfora se materializa.
19 almas en un mismo código
La producción ha logrado lo que los directores denominan una “integración absoluta”. En un proceso de trabajo que unificó a cantantes, bailarines y músicos, se gestó un lenguaje compartido que atraviesa a los intérpretes hasta la fibra más íntima. “Los cantantes se interesaron mucho por ver cómo iba el proceso de los bailarines… se integraron todos estos artistas en escena e incluso el maestro Santostefano que está dirigiendo con una sensibilidad extrema”, comenta Cristina.
La entrega de los artistas en el escenario es total, superando la mera ejecución técnica. Gómez Comini destaca que en los ensayos y funciones “tenemos un código común, hay una sensibilidad común, hay una energía común y hay una emoción común. Porque así como se emocionan los bailarines en el momento en que danzan esta obra, se emocionan literalmente hasta las lágrimas, lo mismo pasa con los cantantes”. Esta autenticidad es lo que permite que la obra funcione con la misma intensidad tanto en salas pequeñas como en teatros de gran escala.
El camino al Comedia
La llegada de “LEVE” al Teatro Comedia fue, en sí misma, una validación del poder de la obra. Camilo relata con orgullo que no fue necesario un proceso burocrático de carpetas para conseguir el espacio. “Invitamos a las autoridades del Comedia a ver la obra y vivieron una experiencia que los llevó inmediatamente ese mismo día a invitarnos, a decirnos, queremos que esta obra esté en el teatro. Es decir, queremos que esto que nos pasó a nosotros le pase a nuestro público también”.
Este gesto de las autoridades movilizó al equipo: “Es hermoso cuando te pasa eso… la verdad que es un hecho que me gusta destacar porque no es tan usual”. La obra fue seleccionada para integrar la programación del Mes de la Mujer, situándose estratégicamente en la previa del 8M.
El arte como alivio y el «Gracias» final
El impacto en el público ha sido la mayor gratificación para el equipo. En cada función, los directores reciben una respuesta recurrente: el agradecimiento. “En todas las funciones… se ha acercado la gente a agradecernos… la palabra que más hemos escuchado fue gracias”, relata Camilo. Para él, esto se vincula con la función más pura del arte, comparándolo con el impacto del Guernica de Picasso: “El arte nos brinda a los humanos la posibilidad de poner y tramitar a través de un algo, una cosa, cuestiones realmente complejas de la vida… te permite traducir algo que si no te revienta”.
La obra ofrece a los espectadores la posibilidad de poner en un tercero vivencias que les son propias. “La experiencia de esa hora que dura el espectáculo le ha permitido poner en un tercero… cosas que le son propias… ese agradecimiento es el agradecimiento del ‘pude poner esto en una forma artística que sublima las cuestiones de la vida’ y eso es un gracias total”, reflexiona Santostefano. Es, en esencia, una invitación a la catarsis colectiva: “Venía a vivir una experiencia transformadora”. Y agrega: «Hay espectáculos donde vos entrás de una forma y te vas de otra. Este es uno de esos, sin lugar a dudas”.
Datos útiles y funciones
Finalmente, las funciones se fijaron para este viernes a las 20:30 y sábado a las 18. En palabras de los directores, esta decisión busca acompañar la sensibilidad del mes desde la previa de las movilizaciones del 8M, evitando complicaciones logísticas el día domingo.
La obra tiene una duración aproximada de una hora. Las entradas están disponibles en la boletería del teatro o a través de Ticketek. Para quienes busquen una conexión profunda con lo esencial de la condición humana, “LEVE” se presenta como una oportunidad imperdible de ver cómo el arte logra que el dolor se transforme en algo “hermoso”.
Ver esta publicación en Instagram
