Lucas Leiva, entre la “Yerma” que abre Histriones y el regreso de “P.E.I.”

Y si hubiera que ponerle orden a este encuentro, “Yerma, mi cuerpo” sería el punto de partida. Más allá de que la escena cordobesa se haya cruzado con piezas en las que Lucas Leiva ha estado presente, como “Subastados”, “Porque soy tu madre” y “P.E.I. Tres maestras”, entre otras, durante sus veinte años de recorrido por el teatro independiente, la conversación comienza por su última pieza. “Yerma, mi cuerpo” fue gestada para la tercera edición de Histriones, el ciclo impulsado por la Municipalidad de Córdoba a través del Centro Cultural España Córdoba, que en esta ocasión se había propuesto buscar obras inéditas cordobesas pensadas para dos intérpretes.

La pieza toma como punto de partida la tragedia de Federico García Lorca, estrenada en 1934, y su conflicto alrededor del deseo de maternidad, la imposibilidad de concebir y los mandatos que pesan sobre el cuerpo de una mujer. Desde allí, Lucas propone una relectura contemporánea que conserva ese núcleo, pero lo lleva hacia otras preguntas sobre la mirada social y las expectativas que recaen sobre los cuerpos. “Ellos querían trabajar el cuerpo. No sabían bien qué específicamente, pero querían ponerle mucho cuerpo a la obra y trabajar el cuerpo”, explica sobre el origen del proyecto junto a Mirian Velázquez y Leonardo Ordoñez.

A partir de esa idea, ambos lo convocaron para escribir una pieza que pudieran presentar a la convocatoria. El texto estuvo listo en apenas dos días, antes del cierre de la inscripción. “Me senté a escribir la obra así como en tiempo récord y a ellos les gustó. Mandamos la obra el último día que se cerraba la convocatoria”, recuerda.

La espera por la selección no detuvo el proceso. El equipo decidió comenzar a trabajar sin saber todavía cuál sería el resultado. “A partir de ahí nos empezamos a juntar todos los días sin saber si íbamos a quedar seleccionados o no, pero yo les dije: ‘Por las dudas, nos juntemos todos los días’”, cuenta Lucas.

La confirmación llegó unas dos semanas más tarde y, con ella, un nuevo desafío: tenían menos de veinte días para montar una obra de aproximadamente una hora, con vestuario incluido. Para el director, ese proceso acelerado también forma parte del aprendizaje que ofrece el teatro independiente.

“Esto también nos da oficio y nos da escuela. Saber que en menos de un mes, en 20 días, podemos montar una obra de teatro entera”, expresa.

Un ritmo de trabajo que, una vez más, da cuenta de una realidad que atraviesa al teatro independiente y que, en el contexto de la crisis actual, se volvió todavía más evidente. Actuar, dirigir, producir, enseñar, estudiar y ensayar suelen convivir en las agendas de quienes sostienen sus proyectos escénicos. En el caso de Lucas, esa multiplicidad también estuvo presente durante el proceso de montaje de Yerma, mi cuerpo.

“Es un tiempo récord. Bueno, sobre todo el trabajo de Mirian [Mimí] y de Leo de aprenderse un texto entero —la obra dura una hora más o menos—. Es un tiempo récord porque además todos los integrantes del equipo… Bueno, yo ahora estoy trabajando, por ejemplo: soy profe de danza en un parque educativo, soy profe de teatro, también tengo otros colegios, estoy estudiando. Y además ensayando con otros grupos también de teatro. Y bueno, a Mirian también le pasa lo mismo, y Leo también es estudiante del profesorado de teatro. Nos juntamos a la siesta, a la tarde; algunas veces nos quedamos hasta la 1 o 2 de la mañana ensayando y, de domingo a domingo, tratamos de encontrar un huequito. Pero la verdad, qué lindo, un proceso lindo, intenso”, reafirma.

Dos cuerpos frente a la mirada social

Entonces, más que una adaptación literal de la tragedia de Federico García Lorca «Yerma, mi cuerpo» construye una mirada enfocada en los mandatos que -aún hoy- pesan sobre los cuerpos.

“Empecé a vincular a Yerma con esta idea de que justamente es el cuerpo como territorio de la mujer”, explica.

Desde ahí, la mujer que no puede quedar embarazada y quiere ser madre funciona como punto de partida para hablar también de otras formas de infertilidad, de aquello que una sociedad espera de los cuerpos y de la manera en que esas expectativas condicionan la vida cotidiana.

A partir de esa mirada, cuenta que también fue necesario pensar el traslado del universo de la obra original a una puesta para solamente dos intérpretes. En tanto, frente a los diez o doce personajes de la pieza original, su versión concentra el conflicto en dos cuerpos muy diferentes. Por un lado, Mirian Velázquez interpreta a Yerma, una mujer de 50 años cuyo cuerpo se aleja de los modelos hegemónicos de belleza. Por otro, Leonardo Ordoñez encarna un cuerpo asociado a esos parámetros y, además de Juan, interpreta otros personajes.

Esa diferencia entre ambos cuerpos también atraviesa la construcción de los personajes. “Leo es un cuerpo más hegemónico, musculoso, marcado y con tatuajes. Lo que se podría considerar un cuerpo hegemónico. Y Miriam es un cuerpo no hegemónico”, describe. En ese sentido, la diferencia no fue pensada únicamente desde lo visual: “Me interesaba esa dualidad de poner en escena este cuerpo más hegemónico y este cuerpo no hegemónico”.

A su vez, en la dinámica de la puesta, Mirian permanece como Yerma durante toda la obra, mientras Leonardo cambia de personaje y asume un total de seis roles además del marido. Para Lucas, esa decisión escénica también se vincula con uno de los ejes del conflicto, ya que la permanencia de Mirian guarda relación con la idea de encierro en su cuerpo.

Una reflexión, según Lucas, sobre la corporalidad que también apareció durante el proceso creativo. En donde ambos actores compartieron experiencias personales vinculadas con la relación entre el cuerpo propio y la mirada ajena.

Así, del proceso de trabajo surgió una de las tensiones centrales de la obra: qué sucede cuando dos corporalidades que la sociedad lee de manera diferente ocupan el mismo espacio escénico y se enfrentan a los mismos mandatos.

“Qué hace este cuerpo tan bello con esta Yerma mujer”, expresa.

Para Lucas, esa frase permite condensar parte de la perspectiva que atraviesa la pieza. No se trata solamente de quién puede o no puede ser deseado, sino de qué cuerpos son considerados posibles dentro de determinadas relaciones y qué ocurre cuando una persona se aparta de esos modelos.

“Los mandatos sociales, la mirada, el cuerpo como territorio de disputa”, resume. Y plantea una pregunta que atraviesa la obra: “¿A quién le pertenece el cuerpo? ¿Por qué cuando vemos un cuerpo con sobrepeso por la calle nos sentimos autorizados a opinar sobre ese cuerpo?”, dice.

La reescritura también juega con el lenguaje. El texto combina el “tú” y el “vos”, una decisión que el dramaturgo vincula con la intención de evitar una ubicación temporal demasiado precisa. De ese modo, el universo de Lorca dialoga con problemáticas contemporáneas sin quedar encerrado en una época determinada.

“Jugamos ahí con esa atemporalidad”, explica. Y agrega: “Esta disputa con el cuerpo, esta tensión que existe con los cuerpos y los mandatos sociales no solo sucede y sucedió en un pasado, sino que también está presente”, cuenta.

La obra también aborda el mandato de la maternidad y la idea de que una mujer debe ser madre para sentirse completa. “No solo del cuerpo, sino también ahora con Yerma, la idea de ser madre, y de que si la mujer no es madre, no está completa como mujer”, señala.

 

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La propuesta es de La Carroza Teatro y cuenta con Mirian Velázquez y Leonardo Ordoñez en escena, Alejandra Cruz como asistente de dirección y Lucas Leiva a cargo de la dramaturgia y dirección general.

La continuidad del teatro independiente y el fenómeno de P.E.I.

Apenas unas horas después de estrenar Yerma, mi cuerpo, Lucas volverá a ponerse el guardapolvo para subir al escenario con “P.E.I. – Tres Maestras”, la obra que comparte con Juan Gecchelín y Federico Malamud y que, desde 2014, mantiene una continuidad poco frecuente dentro del circuito independiente cordobés.

En ese recorrido, Lucas recuerda que la obra nació como un trabajo final de la carrera de Gestión Cultural. Lo que comenzó como una producción académica terminó convirtiéndose en un espectáculo con más de 300 funciones en salas oficiales e independientes de Córdoba y otras localidades de la provincia.

A partir de allí, escrita por Gecchelín y Lucas, y dirigida por Cristian Cavo, P.E.I. construye una mirada sobre el sistema educativo argentino desde el grotesco y el transformismo escénico. Los tres actores interpretan a las maestras Dori, Rosi y Zuli y atraviesan distintos niveles de la educación mediante un dispositivo escénico en el que predominan los guardapolvos y una pantalla que también funciona como biombo.

“Siempre trabajamos el grotesco, que es una técnica teatral de la exageración, de mucho maquillaje, mucho vestuario, pelucas”, explica. De este modo, los recursos del género permiten exagerar los rasgos de los personajes y llevar al escenario una mirada crítica sobre la escuela.

En esa misma línea, los colores amarillo, rosa y azul distinguen a cada personaje y acompañan las transformaciones de una obra que, según explica Lucas, encuentra buena parte de su fuerza en el conocimiento directo que los intérpretes tienen del mundo que ponen en escena. Los tres son docentes: Gecchelín es maestro de grado, Malamud se desempeña como profesor de Educación Física y Lucas como profesor de teatro.

Esa experiencia aparece en la construcción de los personajes y también en la mirada crítica sobre la escuela. Pero el paso del tiempo incorporó otra dimensión que el actor destaca especialmente: la relación que la obra construyó con sus espectadores.

Cuenta que, a lo largo de estos años, se fueron formando grupos de docentes y compañeros de trabajo que volvieron varias veces a verla. Hay espectadores que incluso asistieron cinco, seis o siete veces. Esa continuidad, señala, terminó convirtiéndose en una de las características más particulares del recorrido de P.E.I.

También habla del vínculo que se genera entre quienes están arriba y abajo del escenario. La obra, explica, no se limita a representar a docentes, sino que reconoce una experiencia compartida: la de quienes transitan diariamente las escuelas, construyen vínculos con sus compañeros y encuentran en esos espacios una forma de comunidad.

Después de doce años, esa relación explica en parte por qué P.E.I. continúa encontrando público. Y también por qué Lucas puede pasar, en una misma semana, de una relectura contemporánea de Lorca a una comedia grotesca sobre la escuela sin que ambas experiencias resulten ajenas entre sí. En los dos casos aparece el mismo territorio de trabajo: el teatro independiente, sostenido a fuerza de tiempo, oficio y una suma de tareas que pocas veces caben en una sola función.

Funciones y horarios

El recorrido tendrá su primera parada esta tarde, a las 19, con “Yerma, mi cuerpo” en el Centro Cultural España Córdoba (Entre Ríos 40), con acceso libre y gratuito. Mañana, a las 21, será el turno de “P.E.I. – Tres Maestras” en Espacio Platz (Av. Maipú 350). Las entradas para esta única función del año se consiguen de forma anticipada a través de Antesala.

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